El estilo se construye poco a poco.
Con todo lo que ves, lo que admiras, lo que copias cuando estás aprendiendo y lo que te marca sin que te des cuenta.

En mi caso, muchas de esas primeras influencias vinieron de un lugar bastante inesperado, los periódicos.

Antes de Instagram, Pinterest o los miles de referentes visuales que hoy tenemos a un clic, el contacto con la ilustración era distinto. La encontrabas en revistas, en libros… y también en las páginas de opinión de los diarios.

Y si creciste en Venezuela, sabes que la caricatura política no era cualquier cosa. Era parte del día a día del país.

Pedro León Zapata: cuando el dibujo se convierte en crítica

De niña coleccionaba las caricaturas de Pedro León Zapata que salían en El Nacional.

Era casi un ritual abrir el periódico y buscar la caricatura del día. Yo era demasiado chica para entender toda la crítica política que había detrás, pero esos dibujos tenían algo que me atrapaba.

Con el tiempo entendí que no era solo el trazo.

Era la idea.

Zapata tenía una habilidad impresionante para decir cosas muy incómodas con dibujos aparentemente simples. No necesitaba ilustraciones complejas ni composiciones rebuscadas. Con pocas líneas lograba resumir una situación política, una contradicción social o una crítica directa al poder.

Y sin darme cuenta, mientras recortaba esas caricaturas o las observaba en el periódico, estaba aprendiendo algo muy importante:

que el dibujo también puede ser opinión.

Que una ilustración no tiene que ser solo bonita.
Puede ser incómoda.
Puede ser crítica.
Puede decir verdades que a veces nadie quiere escuchar.

Rayma Suprani: la valentía de dibujar lo que otros callan

Otra caricaturista que siempre me llamó la atención fue Rayma Suprani.

Rayma llevó la caricatura política venezolana a otro nivel. Es directa, inteligente y muchas veces incómoda.

Su trabajo no solo apareció en la prensa venezolana, también llegó a medios internacionales como The New York Times, lo que la convirtió en una de las ilustradoras venezolanas más reconocidas fuera del país.

Pero más allá de su reconocimiento internacional, lo que más me impresionaba de su trabajo era su valentía.

Porque hacer caricatura política nunca ha sido cómodo. Menos en un país como Venezuela.

Dibujar sobre poder, ideología o injusticias implica posicionarte. Implica incomodar. Implica arriesgarte.

Rayma entendió perfectamente que el humor gráfico no es solo entretenimiento.
También puede ser una herramienta para cuestionar lo que está pasando en una sociedad.

Y eso siempre me pareció poderoso.

Edo: color, irreverencia y crítica social

Si Zapata representaba una tradición más clásica de la caricatura política, Eduardo Sanabria, Edo, aportó algo completamente distinto.

Color. Mucho color.

Su estilo es vibrante, irreverente y visualmente muy potente. Mientras muchas caricaturas políticas tradicionales se apoyaban en el blanco y negro, Edo introdujo una estética mucho más contemporánea, donde el color y las formas geométricas se convierten en protagonistas.

Su lenguaje visual tiene una clara influencia cubista: rostros fragmentados, composiciones angulares y personajes construidos a partir de planos que recuerdan, de alguna manera, a ese juego visual que inauguraron artistas como Picasso. Pero Edo lo lleva a su propio terreno, mezclando esa estética con sátira política y cultura pop.

Sus ilustraciones son directas, a veces caóticas, llenas de referencias culturales y con una energía gráfica muy particular.

Eso también fue una pequeña revelación.

Porque Edo demuestra que la caricatura política no tiene que ser sobria o minimalista para ser efectiva. Puede ser explosiva, visualmente intensa y seguir siendo crítica.

En su trabajo conviven la sátira política, la cultura pop y una mirada muy aguda sobre la sociedad.

Quizá por eso su estilo siempre me llamó la atención, demostraba que la crítica también podía ser visualmente atrevida.

Weil: el humor que incomoda

Otro caricaturista muy presente en el panorama de la prensa venezolana fue Robert Weil.

Como muchos caricaturistas del país, su trabajo también se movía entre el humor, la crítica social y el comentario político.

Algo que siempre me ha parecido interesante de la caricatura venezolana es que rara vez busca solo hacer reír.

Busca algo más.

Busca incomodar.
Busca cuestionar.
Busca poner el dedo en la llaga.

Y Weil forma parte de esa tradición de ilustradores que utilizan el dibujo como una forma de comentario social.

Sus caricaturas no solo acompañaban las noticias del día: muchas veces eran una forma de entenderlas.

Es una gran referencia para mí. Sus acuarelas y acrílicos vibrantes, la libertad de su trazo y la intensidad de sus colores tienen algo profundamente hipnótico. Sus ilustraciones, con ese aire fauvista, no solo atrapan la mirada, sino que te obligan a quedarte un poco más, a perderte en ellas.

La caricatura también fue mi escuela

Mirando hacia atrás, me doy cuenta de algo curioso.

Mi educación visual empezó mucho antes de estudiar ilustración.

Empezó viendo caricaturas en periódicos.

Empezó observando cómo un dibujo podía resumir una noticia, una crítica o una contradicción social en una sola imagen.

La caricatura venezolana tiene algo muy especial. Es una mezcla de humor, inteligencia y una mirada muy aguda sobre la realidad del país.

Muchos ilustradores venezolanos crecimos viendo ese tipo de trabajo.

Y aunque hoy mi ilustración tenga otros temas, otros estilos y otras influencias, sé que esa forma de mirar el mundo sigue ahí.

Porque el arte no solo se trata de dibujar bonito.

También se trata de observar, cuestionar y, a veces, decir cosas incómodas con un simple dibujo.

Y quizás todo empezó allí… en una caricatura escondida entre las páginas de un periódico.

La entrada Los caricaturistas venezolanos que formaron mi mirada como ilustradora se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

Hoy quiero presentarles a tres amigos que marcaron mi vida y que, de alguna manera, siguen vivos en mis ilustraciones: Cucú, Sunny y Kyra.

🦜 Cucú

Un loro churica que, en lugar de encontrarlo yo, me encontró él a mí.
En 2005 trabajaba en animación en Caracas, y un día mis compañeros aparecieron con una sorpresa: un lorito travieso rescatado cerca del Museo de los Niños.

Lo adopté enseguida y fue mi mamá quien le puso nombre: Cucú, así llamaba cariñosamente a la gente “un poco loca”. Y vaya si le hacía justicia.

Dormilón por las mañanas, lo tenía pegado a mí como un gato. Pero en cualquier momento se transformaba en un torbellino de picotazos. Adorable, caótico, divertido… imposible no dibujarlo una y otra vez.

🐶 Sunny

Después llegó Sunny, un Golden Retriever con un corazón inmenso.
Era pura alegría y ternura, el compañero de viaje perfecto, siempre debajo de mi escritorio mientras dibujaba, recordándome con su mirada dulce que nunca estaba sola.

Tenía esa capacidad mágica de detectar mis bajones antes que yo misma. Y con solo estar ahí, lograba animarme.

🐕 Kyra

La última en llegar fue Kyra, una mestiza de ojos profundos y miedos antiguos. La adoptamos con 5 meses para acompañar a Sunny, pero en realidad terminó acompañándonos a todos.

Llevaba traumas que marcaron su carácter, pero también me enseñó lo que significa la lealtad. Era mi E.T.: si yo enfermaba, ella también. Compartíamos un lazo inexplicable.

Su partida, hace apenas 8 meses, todavía duele. Pero la llevo conmigo, en mi piel y en cada trazo que dibujo.

La gran aventura de mi vida

Sunny y Kyra no solo compartieron conmigo una casa. También fueron parte de la gran aventura de mi vida: la migración.
Dejamos Caracas atrás para empezar de cero en Málaga. Ellos viajaron conmigo, con su inocencia y su confianza absoluta, sin saber que ese viaje cambiaría nuestras vidas para siempre.

No sé si me habría atrevido a tanto sin su compañía. Tenerlos a mi lado me dio fuerza y me hizo sentir que, aunque todo era nuevo y a veces incierto, al menos estábamos juntos.

Las mascotas y la creatividad

Quienes amamos a los animales sabemos que no son “solo mascotas”. Son familia. Se meten en nuestras rutinas, en nuestras emociones… y en mi caso, también en mis ilustraciones.

Ellos estaban ahí en cada jornada creativa: Sunny y Kyra bajo el escritorio, Cucú sobre el monitor o caminando como jefe por el teclado.

Y aunque ya no estén físicamente, siguen latiendo en mi obra: a veces se disfrazan de personajes, otras se esconden en pequeños detalles que solo yo reconozco. Fueron parte de mi vida, y por eso también lo son de mi arte.

Hoy los extraño, sí… pero al recordarlos no siento solo ausencia, sino gratitud. Porque su paso por mi vida me dejó mucho más que recuerdos: me dejó color, ternura, anécdotas mágicas… y una inspiración que nunca se apaga.

¿Te gustó este post? ¿Tienes una mascota que te inspira? Me encantaría leerte 💛

La entrada Mis pequeños grandes amigos: Cómo mis mascotas han inspirado mi trabajo como ilustradora se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

🎨 Mis raíces siempre se cuelan en mis trazos

Como buena venezolana, mi arte siempre ha estado lleno de colores vivos, composiciones intensas y detalles que a veces son “demasiado” (y lo digo con cariño). Desde siempre tuve una inclinación por el estilo naif —aunque lo negaba con todas mis fuerzas por rebelde— y también por el collage… aunque en mi época no me gustaba decirle “collage” 😅.

En muchas de mis ilustraciones se puede ver, si te fijas bien, algún guiño a mi país: una bandera, los colores amarillo, azul y rojo, o simplemente esa vibra tropical y cálida que llevamos los venezolanos en la piel.

✈️ Migrar me cambió la vida… y el estilo

Cuando llegué a Málaga, mi camino con la ilustración dio un giro inesperado. Fue aquí donde volví a reconectar con el dibujo de una forma más madura y, paradójicamente, también más libre.
Estar fuera de Venezuela me acercó más a mis raíces. A veces necesitas alejarte para ver con más claridad lo que llevas dentro.

Además, empezar de nuevo me obligó a soltar miedos, a reinventarme y a probar cosas nuevas.
Trabajar con otros venezolanos en el extranjero, compartir vivencias, y también mirar el arte con otra perspectiva me ayudó a crecer como ilustradora… y como persona.

🖌️ Identidad ilustrada

Mi estilo, aunque a veces intento no encasillarlo (sí, sigo siendo un poco rebelde 😜), podría tener tintes fauvistas por los colores intensos, o de collage por la mezcla de texturas y elementos. Pero lo que más me define es esa mezcla de culturas que me habita: la nostalgia de lo que fui, lo que soy, y lo que estoy construyendo.

La migración no solo me trajo nuevos paisajes, también me regaló otra paleta de emociones, historias y aprendizajes. Todo eso está en mis ilustraciones, aunque a veces ni yo me dé cuenta.

¿Y tú?
¿También sientes que tu cultura o tus raíces se cuelan en lo que haces?
Cuéntamelo, ¡me encantará leerte! 💛

La entrada De Caracas a Málaga: lo que mi arte dice de mí se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

Pues yo no tenía uno (¡aún!), pero lo que sí tenía era un cuaderno de dibujo… y eso, amig@s, marca la diferencia. 🎨

✏️ “Pero claro, tú dibujas…”

Sí, yo dibujo. Pero lo que quiero decirte es que no necesitas saber dibujar para tener un cuaderno. Ni ser ilustrador@, ni tener técnica, ni materiales caros.
Solo necesitas ganas de soltar lo que llevas dentro. El papel no juzga.

Un cuaderno puede ser:

• Un espacio para escribir ideas sueltas.
• Un diario ilustrado de tus días raros.
• Un lugar donde hacer garabatos, listas, dibujar a tu perro, ¡lo que sea!

🧠 Dibujar es más que arte: es bienestar

Tener un hobby creativo, como dibujar, es una forma de escaparte del caos sin salir de casa. No se trata de crear una obra maestra. Se trata de respirar, soltar, desconectar.

En momentos tensos, tener a mano un cuaderno y un lápiz puede ser tu mejor terapia:

• Te calma.
• Te enfoca.
• Te da algo que hacer cuando no puedes hacer nada más.

🧒 Una anécdota que me hizo pensar…

Cuando todo esto pasaba, mi sobrina me miró preocupada y me dijo:
“¿Y ahora qué, tita?”

Le sonreí y le dije:
“Bueno… nosotras tenemos cuaderno y lápiz. No nos vamos a aburrir.”
Y es que, en medio del caos, mientras todo parece girar en torno a ordenadores, móviles y pantallas, nosotras teníamos una ventaja: teníamos en casa una herramienta que no necesita batería y que siempre está lista para acompañarnos.

Y pensé: Esto debería tenerlo todo el mundo.
No solo los que dibujamos. Todo el mundo debería tener un espacio donde soltar lo que siente, aunque sea con rayas, manchas o palabras sin sentido.

🌈 ¿Y si no sé dibujar?

Perfecto, mejor aún. Así no tienes expectativas ni miedo al “error”. Solo déjate llevar.

Dibuja mal, dibuja raro, dibuja como cuando eras niñ@.
Dibujar sin presión es volver a conectar con tu creatividad más pura.

💬 Mi consejo: incluye un cuaderno en tu kit de supervivencia

Puede que no tengas una linterna con pilas o una radio antigua a mano, pero si tienes un cuaderno donde soltar tus pensamientos, emociones o dibujos, vas bien preparad@.
Y si no lo usas… igual un día se convierte en el diario gráfico de tu propia historia.

Porque sí, la vida sigue siendo un poco caótica… pero al menos, yo tengo mis lápices afilados y espacio para dibujar el desastre con estilo. 😉

¿Tienes un cuaderno creativo en casa? ¿Lo usas en días de caos? Cuéntamelo en comentarios, me encantará leerte.
Y si aún no lo tienes… ¡es hora de incluirlo en tu kit de supervivencia emocional! 💛🖍️

La entrada Kit de supervivencia emocional: cuaderno incluido se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

✨ 1. Hay muchas más salidas que trabajar para Disney

Cuando comienzas a soñar con ser ilustradora, te imaginas animando para Pixar o creando una peli para Studio Ghibli (confiesa, tú también lo pensaste 😅). Pero la ilustración es un mundo con mil caminos: editorial, publicitaria, textil, packaging, cómic, diseño de personajes, ilustración infantil, científica, educativa… ¡y mucho más!

Cuanto antes descubras esas ramas, antes podrás encontrar tu lugar.

💸 2. Se puede vivir de la ilustración (aunque nadie te da el mapa)

Sí, se puede. Es posible. ¡Hay gente que lo hace! Aunque aún estoy en proceso de descifrarlo por completo, lo cierto es que sí se puede. La clave está en encontrar tu estilo, diversificar tus ingresos, trabajar tu marca personal y entender que este es un camino de fondo.

Spoiler: vas a aprender de todo un poco… y a veces también de todo mucho.

💰 3. ¿Cuánto vale tu trabajo? Aprende a poner precios

Otro gran «nadie me dijo»: las tarifas. Cuando comienzas, todo es incertidumbre. ¿Cuánto cuesta una ilustración? ¿Y una portada? ¿Cómo calculo mi hora de trabajo?

Te diría que aprendas sobre tarifas, contratos y propiedad intelectual desde ya. Porque no se trata solo de dibujar bonito, también de saber defender tu trabajo con claridad y seguridad. Y sí, eso incluye decir no a trabajos que no te valoran. 💪

🧠 4. Ser ilustrador no siempre es ser artista (y está bien)

Una de las cosas que más me costó entender: un ilustrador comunica, un artista expresa.

Ambos usan imágenes, pero el ilustrador tiene un mensaje que contar (y a menudo, un cliente detrás con una necesidad específica). No siempre vas a dibujar lo que te inspira, pero vas a aprender a contar historias a través de lo que dibujas. Y eso también tiene magia.

🛍️ 5. Nadie te enseña a vender tu arte (y deberías aprenderlo)

Cuando terminas de estudiar, sales a un mundo salvaje, sin brújula ni mapa. Te toca ser ilustradora, pero también:

• Vendedora
• Gestora de proyectos
• Diseñadora de marca personal
• Estratega de redes sociales
• Community manager
• Y a veces… hasta psicóloga propia

Aprender a vender tus ilustraciones (y no morir en el intento) es parte del viaje. Ya sea en ferias, en tu web, por encargo o a través de productos físicos como stickers, prints o merchandising: cada venta es una victoria. 🛒🎨

🎁 6. El merche (merchandising) es una ventana a tu mundo

No subestimes el poder de ver tus ilustraciones en productos reales. Una tote bag, una taza, un cuaderno… Son una forma de conectar con tu público, hacer crecer tu marca y ¡ganar dinero con lo que amas! Si te lo estás pensando: lánzate, prueba, aprende. Todo suma.

💭 En resumen…

Si estás empezando como ilustrador@, que sepas que no estás sol@. El camino tiene dudas, sí, pero también tiene muchísima satisfacción. Y si algo me ha quedado claro, es esto:

“La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando.”
— Pablo Picasso

Así que, ponte a crear, equivócate, aprende y repite. El estilo se encuentra creando. Los clientes llegan cuando comunicas con claridad. Y la confianza… se construye paso a paso.

💬 Y tú, ¿qué le dirías a tu yo ilustrador@ del pasado?

Te leo en los comentarios. Y si este post te hizo pensar, ¡compártelo con alguien que esté empezando!

La entrada Lo que me hubiera gustado saber cuando empecé como ilustradora se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

¿Cuántas veces has sentido que solo “cuentas” como ilustrador cuando tienes encargos? 🙃 Pero… ¿y esos proyectos que nacen solo porque sí? Los que empiezan como garabatos en una libreta vieja o ideas locas que surgen tomando café. Esos, que no pagan facturas, pero alimentan el alma creativa. 🎨💛

🧪 El laboratorio creativo que nadie ve

Los proyectos personales son nuestro campo de pruebas. Ese lugar secreto donde podemos experimentar sin miedo al “esto no es lo que pidió el cliente”.
Ahí nacen nuevas paletas, personajes inesperados, universos que te representan al 100%. Porque no hay brief que limite tu imaginación.
Y lo más hermoso es que muchas veces esos experimentos se convierten en tu sello personal. En tu voz ilustrada.

💬 Como decía Andy Warhol:
«No te dediques a pensar… dedícate a crear. Limítate a hacerlo. Deja que los demás decidan si es bueno o malo, y mientras ellos deciden, tú sigue creando.»

💥 De experimento a marca personal

Lo curioso es que los proyectos personales, al no tener presión externa, suelen ser los que más conectan con los demás.
¿Por qué? Porque son auténticos. Porque tienen tu esencia, tus obsesiones, tu estilo. Son tan tuyos, que inevitablemente llaman la atención.
Muchos ilustradores (me incluyo 🙋‍♀️) han conseguido visibilidad, encargos y colaboraciones gracias a compartir esos trabajos “sin destino fijo”.

🧡 Hacer por el gusto de hacer

No todo tiene que ser para redes, ni para vender. A veces, simplemente dibujar por el placer de hacerlo te reconecta con lo más puro de tu pasión.
Y eso, en un mundo donde todo parece medirse por likes, es un acto revolucionario.

🗺️ ¿Por dónde empezar?

• Elige un tema que te encante (series, comida, mascotas, emociones… lo que sea).
• Ponte un mini reto: un personaje al día, una historia en viñetas, una portada inventada.
• No te preocupes si “queda bonito” o no.
• Compártelo si te nace. Si no, guárdalo como un tesoro creativo.
  ¡Pero hazlo! Porque el músculo creativo solo crece si se usa. 💪🎨

🚀 En resumen:

Los proyectos personales no pagan… pero te construyen.
Te dan libertad, confianza, identidad y una voz propia.
Así que deja de esperar el proyecto perfecto y empieza a crearlo tú. Porque al final, ese laboratorio secreto es donde empieza la verdadera magia. ✨🧑‍🎨

¿Estás trabajando en un proyecto personal ahora? Cuéntamelo en los comentarios, me encantaría verlo 🧡
#ProyectosPersonales #IlustracionConAlma #CreatividadSinFronteras #andreilustradora

La entrada Proyectos personales: No te dediques a pensar… dedícate a crear se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

✏️ No siempre fue así…

Yo también pasé por esa etapa en la que sentía que no tenía una voz propia. Que todo lo que hacía era una mezcla de cosas que me gustaban, pero que no eran “yo”.

Y lo que descubrí con el tiempo es que sí era yo, solo que aún no sabía verlo.

Tus colores favoritos, los personajes que creas, los temas que repites sin darte cuenta, todo eso está construyendo tu estilo incluso cuando crees que estás «copiando» o «experimentando».

Y sí, hace falta algo muy importante en ese proceso: confianza en ti mism@. Creértelo. Apostar por lo que haces. Porque si tú no crees en tu arte, ¿quién lo hará primero?

💡 La creatividad no viene sola

Hay una frase de Picasso que me encanta:
“La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando.” 🎨
Y es 100% verdad.

Si no sabes qué dibujar, copia a quienes te inspiran. Dibuja a tus personajes favoritos. Haz fanarts. Imitar es una forma de aprender, de estudiar el trazo, el color, la narrativa visual de otros. Y en ese proceso, te vas descubriendo.

🔁 El estilo no se encuentra, se revela

Con cada dibujo, algo se repite: un gesto, un tipo de trazo, una paleta de colores, una emoción. Y sin darte cuenta, empiezas a ver patrones.
Ahí está tu estilo. No en una gran revelación, sino en lo que haces con constancia, con amor y con libertad.

❤️ Mi consejo

No te detengas a pensar si ya lo encontraste. No pongas pausa porque “aún no tienes estilo”. Porque la única manera de llegar a ese lugar es caminando. O mejor dicho, ¡dibujando! 😉

Confía en ti. Cree en lo que haces. Tu estilo ya está en ti.
Solo necesita que lo saques a pasear todos los días con un lápiz en la mano. 🖍️✨

¿Te ha pasado algo parecido? ¿Ya te han dicho que tienes un estilo propio?
Te leo en los comentarios 🧡

La entrada Tu estilo ya vive en ti: solo tienes que dibujar para encontrarlo se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

A lo largo de los años, he pasado por distintos logos, pero ninguno terminaba de convencerme. Mis primeras versiones eran básicas, y aunque reflejaban mi identidad en cierto modo, sentía que les faltaba algo. Voy a contarles sobre los dos últimos antes de llegar a mi diseño actual.

Uno de ellos era un imagotipo basado en la silueta de mi perrita Kyra. Ella era una mezcla de razas muy particular y su aspecto llamaba mucho la atención: parecía un dóberman con el tronco ancho, como una morcilla con patas largas. Tenía una forma peculiar de levantarse y eso me parecía entrañable, por lo que decidí plasmarla en mi logo. Sin embargo, aunque la amaba profundamente, no lograba sentirme identificada con la imagen de un perro. Había algo más que necesitaba expresar, pero no sabía qué era exactamente. Por eso, decidí cambiarlo y optar por algo más sencillo: un logo tipográfico.

Este nuevo diseño consistía en letras creadas por mí con un estilo vintage. La «a» era minúscula y destacaba en mi color favorito: rojo. Sin embargo, seguía sin sentir que representara completamente mi identidad como ilustradora. Me preguntaba: ¿Por qué no hay una ilustración en mi logo si me dedico a ilustrar? ¿Será que debería hacer una caricatura de mí misma? Probé varias opciones, pero ninguna me convenció del todo, así que decidí conformarme con ese diseño por algunos años.

Hasta que finalmente tuve una revelación: ¡no podía hacer un logo sin un briefing propio! Siempre pedía a mis clientes que llenaran un briefing detallado antes de diseñar para ellos, pero nunca me había detenido a hacer uno para mí misma. Fue en ese momento cuando decidí crear un moodboard con todo lo que me gustaba y me identificaba.

Por supuesto, los perros estaban presentes, pero no representaban mi personalidad por completo. Me di cuenta de que elegir un animal favorito no era suficiente para plasmar mi identidad. Después de una profunda retrospección y mucha investigación, encontré un animal con el que me sentía verdaderamente identificada: el erizo.

El erizo es un animal fascinante que refleja muchas facetas de mi personalidad. Es adorable pero también defensivo, independiente y simboliza protección, introspección, cautela y renovación. A partir de ahí, comencé a bocetar y descubrí que no solo estaba diseñando un logo, sino que estaba creando un alter ego. Nació «Punky», un personaje que encarna mis gustos y mi esencia.

Sin embargo, un logo debe ser simple, funcionar en distintos tamaños y ser fácil de identificar. No podía plasmar un personaje demasiado detallado, así que refiné la idea y la simplifiqué hasta lograr un diseño equilibrado. Apliqué la proporción áurea para estructurarlo y, por fin, tuve mi rediseño definitivo: una marca que me representa a la perfección.

Para completar la identidad visual, elegí una paleta vibrante con tonos rojos, fucsia, beige y púrpura. Ahora, con mi logo y mi personaje, tengo una herramienta poderosa para conectar con mi público, compartir mi trabajo y transmitir mi esencia como ilustradora.

Este proceso fue un viaje de autodescubrimiento que me permitió conocerme mejor y traducirlo en mi identidad visual. Si estás en proceso de crear tu propia marca personal, mi consejo es que te tomes el tiempo para explorarte a fondo. No es solo diseño, es un reflejo de quién eres.

La entrada El viaje hacia mi identidad visual: la historia de mi logo se publicó primero en aNDRe Ilustradora.