Nuestro estilo, nuestras decisiones, lo que nos gusta y lo que rechazamos… todo viene de algún lugar.

De lo que vimos.
De lo que admiramos.
De lo que nos hizo pensar: “yo quiero hacer algo así”.

Hoy quiero compartir mi top 10 de ilustradores que han influido en mi estilo como ilustradora. No es un ranking, ni están todos los que son (porque sería imposible), pero sí son artistas que han marcado mi forma de entender el dibujo, el humor y la narrativa visual.

Ilustradores que han influido en mi estilo

Paula Bonet

Descubrí su trabajo cuando llegué a España y fue un flechazo inmediato.

La delicadeza de sus líneas, sus rostros femeninos llenos de emoción… todo en su obra tiene una carga muy íntima.

Su estilo pictórico, con esa mezcla de dibujo y mancha, me hizo entender que la ilustración también puede ser vulnerable, emocional y profundamente personal.

Raquel Córcoles

Con su proyecto Moderna de Pueblo, Raquel logró algo muy difícil, crear un personaje con el que toda una generación se identifica.

Su trabajo mezcla humor, crítica social y vida cotidiana, demostrando que la ilustración también es una poderosa herramienta de storytelling.

Y algo que me parece muy interesante es cómo ha sabido evolucionar más allá de las viñetas. Ahora también conecta desde el formato videopodcast, hablando de muchos temas cotidianos con ese equilibrio entre humor, crítica y reflexión que la caracteriza.

Laura Santolaya

P8ladas tiene ese punto irreverente que engancha desde el primer momento.

Humor ácido, directo, sin filtros. De ese que no intenta caer bien… y por eso funciona.

Su trabajo es un recordatorio de que tener personalidad es más importante que encajar.

Estefi Martínez

Pedrita Parker mezcla humor, caos y realidad en viñetas que conectan al instante.

Además, siendo malagueña, conecté con su trabajo aún más rápido desde que empezó a crear. Hay algo cercano, reconocible… como cuando alguien pone en palabras (o en dibujos) lo que tú también sientes.

Su estilo demuestra que una buena idea puede ser más potente que cualquier técnica compleja.

Agustina Guerrero

Agustina Guerrero, con su personaje La Volátil, fue otra de esas ilustradoras que conecté rápido desde lo emocional.

Sus ilustraciones hablan de lo cotidiano, de las relaciones, de las dudas, de los altibajos… pero desde un lugar muy honesto y cercano.

Tiene esa capacidad de convertir lo simple en algo con lo que te identificas al instante.

Y eso, para mí, es clave: cuando una ilustración no solo se ve, sino que se reconoce.

Qué tienen en común estos ilustradores

Más allá de estilos o técnicas, hay algo que une a todos:

Tienen voz propia.

No buscan encajar.
No intentan parecerse a nadie.
No crean solo para gustar… crean para decir algo.

Y eso, hoy en día, es lo más difícil de conseguir.

Qué he aprendido como ilustradora

Ver el trabajo de otros ilustradores no es compararte.
Es aprender.

Es entender que hay mil formas de contar algo.
Que no hay un solo camino.
Que tu estilo no aparece de la nada… se construye.

Poco a poco.
Con referencias.
Con errores.
Con práctica.

Y sobre todo, con honestidad.

¿Qué ilustradores te han marcado a ti?

Seguro que tú también tienes referentes.

De esos que ves y dices: “wow, esto me mueve algo”.

Te leo en comentarios 👀

La entrada Ilustradoras que me inspiran desde que llegué a España se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

El estilo se construye poco a poco.
Con todo lo que ves, lo que admiras, lo que copias cuando estás aprendiendo y lo que te marca sin que te des cuenta.

En mi caso, muchas de esas primeras influencias vinieron de un lugar bastante inesperado, los periódicos.

Antes de Instagram, Pinterest o los miles de referentes visuales que hoy tenemos a un clic, el contacto con la ilustración era distinto. La encontrabas en revistas, en libros… y también en las páginas de opinión de los diarios.

Y si creciste en Venezuela, sabes que la caricatura política no era cualquier cosa. Era parte del día a día del país.

Pedro León Zapata: cuando el dibujo se convierte en crítica

De niña coleccionaba las caricaturas de Pedro León Zapata que salían en El Nacional.

Era casi un ritual abrir el periódico y buscar la caricatura del día. Yo era demasiado chica para entender toda la crítica política que había detrás, pero esos dibujos tenían algo que me atrapaba.

Con el tiempo entendí que no era solo el trazo.

Era la idea.

Zapata tenía una habilidad impresionante para decir cosas muy incómodas con dibujos aparentemente simples. No necesitaba ilustraciones complejas ni composiciones rebuscadas. Con pocas líneas lograba resumir una situación política, una contradicción social o una crítica directa al poder.

Y sin darme cuenta, mientras recortaba esas caricaturas o las observaba en el periódico, estaba aprendiendo algo muy importante:

que el dibujo también puede ser opinión.

Que una ilustración no tiene que ser solo bonita.
Puede ser incómoda.
Puede ser crítica.
Puede decir verdades que a veces nadie quiere escuchar.

Rayma Suprani: la valentía de dibujar lo que otros callan

Otra caricaturista que siempre me llamó la atención fue Rayma Suprani.

Rayma llevó la caricatura política venezolana a otro nivel. Es directa, inteligente y muchas veces incómoda.

Su trabajo no solo apareció en la prensa venezolana, también llegó a medios internacionales como The New York Times, lo que la convirtió en una de las ilustradoras venezolanas más reconocidas fuera del país.

Pero más allá de su reconocimiento internacional, lo que más me impresionaba de su trabajo era su valentía.

Porque hacer caricatura política nunca ha sido cómodo. Menos en un país como Venezuela.

Dibujar sobre poder, ideología o injusticias implica posicionarte. Implica incomodar. Implica arriesgarte.

Rayma entendió perfectamente que el humor gráfico no es solo entretenimiento.
También puede ser una herramienta para cuestionar lo que está pasando en una sociedad.

Y eso siempre me pareció poderoso.

Edo: color, irreverencia y crítica social

Si Zapata representaba una tradición más clásica de la caricatura política, Eduardo Sanabria, Edo, aportó algo completamente distinto.

Color. Mucho color.

Su estilo es vibrante, irreverente y visualmente muy potente. Mientras muchas caricaturas políticas tradicionales se apoyaban en el blanco y negro, Edo introdujo una estética mucho más contemporánea, donde el color y las formas geométricas se convierten en protagonistas.

Su lenguaje visual tiene una clara influencia cubista: rostros fragmentados, composiciones angulares y personajes construidos a partir de planos que recuerdan, de alguna manera, a ese juego visual que inauguraron artistas como Picasso. Pero Edo lo lleva a su propio terreno, mezclando esa estética con sátira política y cultura pop.

Sus ilustraciones son directas, a veces caóticas, llenas de referencias culturales y con una energía gráfica muy particular.

Eso también fue una pequeña revelación.

Porque Edo demuestra que la caricatura política no tiene que ser sobria o minimalista para ser efectiva. Puede ser explosiva, visualmente intensa y seguir siendo crítica.

En su trabajo conviven la sátira política, la cultura pop y una mirada muy aguda sobre la sociedad.

Quizá por eso su estilo siempre me llamó la atención, demostraba que la crítica también podía ser visualmente atrevida.

Weil: el humor que incomoda

Otro caricaturista muy presente en el panorama de la prensa venezolana fue Robert Weil.

Como muchos caricaturistas del país, su trabajo también se movía entre el humor, la crítica social y el comentario político.

Algo que siempre me ha parecido interesante de la caricatura venezolana es que rara vez busca solo hacer reír.

Busca algo más.

Busca incomodar.
Busca cuestionar.
Busca poner el dedo en la llaga.

Y Weil forma parte de esa tradición de ilustradores que utilizan el dibujo como una forma de comentario social.

Sus caricaturas no solo acompañaban las noticias del día: muchas veces eran una forma de entenderlas.

Es una gran referencia para mí. Sus acuarelas y acrílicos vibrantes, la libertad de su trazo y la intensidad de sus colores tienen algo profundamente hipnótico. Sus ilustraciones, con ese aire fauvista, no solo atrapan la mirada, sino que te obligan a quedarte un poco más, a perderte en ellas.

La caricatura también fue mi escuela

Mirando hacia atrás, me doy cuenta de algo curioso.

Mi educación visual empezó mucho antes de estudiar ilustración.

Empezó viendo caricaturas en periódicos.

Empezó observando cómo un dibujo podía resumir una noticia, una crítica o una contradicción social en una sola imagen.

La caricatura venezolana tiene algo muy especial. Es una mezcla de humor, inteligencia y una mirada muy aguda sobre la realidad del país.

Muchos ilustradores venezolanos crecimos viendo ese tipo de trabajo.

Y aunque hoy mi ilustración tenga otros temas, otros estilos y otras influencias, sé que esa forma de mirar el mundo sigue ahí.

Porque el arte no solo se trata de dibujar bonito.

También se trata de observar, cuestionar y, a veces, decir cosas incómodas con un simple dibujo.

Y quizás todo empezó allí… en una caricatura escondida entre las páginas de un periódico.

La entrada Los caricaturistas venezolanos que formaron mi mirada como ilustradora se publicó primero en aNDRe Ilustradora.

Hoy quiero presentarles a tres amigos que marcaron mi vida y que, de alguna manera, siguen vivos en mis ilustraciones: Cucú, Sunny y Kyra.

🦜 Cucú

Un loro churica que, en lugar de encontrarlo yo, me encontró él a mí.
En 2005 trabajaba en animación en Caracas, y un día mis compañeros aparecieron con una sorpresa: un lorito travieso rescatado cerca del Museo de los Niños.

Lo adopté enseguida y fue mi mamá quien le puso nombre: Cucú, así llamaba cariñosamente a la gente “un poco loca”. Y vaya si le hacía justicia.

Dormilón por las mañanas, lo tenía pegado a mí como un gato. Pero en cualquier momento se transformaba en un torbellino de picotazos. Adorable, caótico, divertido… imposible no dibujarlo una y otra vez.

🐶 Sunny

Después llegó Sunny, un Golden Retriever con un corazón inmenso.
Era pura alegría y ternura, el compañero de viaje perfecto, siempre debajo de mi escritorio mientras dibujaba, recordándome con su mirada dulce que nunca estaba sola.

Tenía esa capacidad mágica de detectar mis bajones antes que yo misma. Y con solo estar ahí, lograba animarme.

🐕 Kyra

La última en llegar fue Kyra, una mestiza de ojos profundos y miedos antiguos. La adoptamos con 5 meses para acompañar a Sunny, pero en realidad terminó acompañándonos a todos.

Llevaba traumas que marcaron su carácter, pero también me enseñó lo que significa la lealtad. Era mi E.T.: si yo enfermaba, ella también. Compartíamos un lazo inexplicable.

Su partida, hace apenas 8 meses, todavía duele. Pero la llevo conmigo, en mi piel y en cada trazo que dibujo.

La gran aventura de mi vida

Sunny y Kyra no solo compartieron conmigo una casa. También fueron parte de la gran aventura de mi vida: la migración.
Dejamos Caracas atrás para empezar de cero en Málaga. Ellos viajaron conmigo, con su inocencia y su confianza absoluta, sin saber que ese viaje cambiaría nuestras vidas para siempre.

No sé si me habría atrevido a tanto sin su compañía. Tenerlos a mi lado me dio fuerza y me hizo sentir que, aunque todo era nuevo y a veces incierto, al menos estábamos juntos.

Las mascotas y la creatividad

Quienes amamos a los animales sabemos que no son “solo mascotas”. Son familia. Se meten en nuestras rutinas, en nuestras emociones… y en mi caso, también en mis ilustraciones.

Ellos estaban ahí en cada jornada creativa: Sunny y Kyra bajo el escritorio, Cucú sobre el monitor o caminando como jefe por el teclado.

Y aunque ya no estén físicamente, siguen latiendo en mi obra: a veces se disfrazan de personajes, otras se esconden en pequeños detalles que solo yo reconozco. Fueron parte de mi vida, y por eso también lo son de mi arte.

Hoy los extraño, sí… pero al recordarlos no siento solo ausencia, sino gratitud. Porque su paso por mi vida me dejó mucho más que recuerdos: me dejó color, ternura, anécdotas mágicas… y una inspiración que nunca se apaga.

¿Te gustó este post? ¿Tienes una mascota que te inspira? Me encantaría leerte 💛

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Pues mira, esta es una de esas preguntas que me han hecho varias veces, sobre todo gente que está empezando o que está pensando en dar el salto a lo creativo. Y mi respuesta es: ¡sí, sí y mil veces sí!
Eso sí… con sus matices, como todo en la vida.

Hace unos 20 años (¡sí, ya ha llovido!), cuando estudié ilustración, no era una carrera “de moda” ni mucho menos. No había tantas salidas, ni recursos online, ni redes sociales para mostrar tu trabajo en dos clics. Y ahora además, súmale la inteligencia artificial, los bancos de imágenes y un mercado que cambia más rápido que tú aprendiendo un nuevo atajo en Photoshop. Pero aún con todo eso, no me arrepiento ni un día de haberme dedicado a esto.

Recuerdos de trazo fino (y rebeldía también)

Haciendo este post, me dio por abrir el baúl de los recuerdos. Literal.
(Soy acumuladora de recuerdos, lo admito. Mis fotos físicas y digitales me siguen de mudanza en mudanza, de país en país… y sí, hablo de fotos físicas de verdad, hasta con negativos, que eso ya ni existe).

Me trasladé directamente a mis años de estudio en el Instituto de Diseño de Caracas. Qué época tan bonita. Tanta información, tanto talento junto, tantos profesores que marcaron camino, lindos amigos, rebeldía (esa nunca falta), y un montón de anécdotas que me hacen sonreír. Esos años no los cambio por nada. Y cuando me preguntan si valió la pena estudiar ilustración, la verdad… sería tonto pensar que no.

Lo que nadie te cuenta: haces de todo

Si te vas a meter en este mundo, que sepas algo: no solo vas a ilustrar.
Yo soy mi propia jefa, empleada del mes, community manager, fotógrafa, diseñadora web, diseñadora gráfica, contadora, asesora de marketing, programadora autodidacta (¡hola, WordPress!), y últimamente hasta aprendiendo SEO y SEM.
Vamos, que si existiera un máster en supervivencia creativa, ya lo tendría.

Lo que aprendes en el camino (y lo que la vida te enseña)

Sí, estudié ilustración. Pero la mayoría de las herramientas que uso hoy las aprendí sobre la marcha. Porque este oficio no se queda quieto. Evoluciona y te obliga a crecer con él. A veces da vértigo, sí, pero también emoción.

En Venezuela, sinceramente, no pude ejercer la ilustración como quería. Así que me tocó adaptarme: diseño gráfico, diseño web, encargos freelance… lo que viniera. Pero cuando llegué a Málaga, se abrió una nueva etapa. Pude reconectar con mi lado ilustrado y retomar mi carrera desde otro lugar, con más madurez y perspectiva. Desde entonces, he hecho de todo un poco: murales, invitaciones de boda, personajes, camisetas, identidades visuales… ¡y lo que falta!

Entonces… ¿vale la pena?

Totalmente. No solo porque es mi trabajo, sino porque es parte de mi identidad.
Hoy en día también tengo otros proyectos y emprendimientos que me hacen crecer en otras direcciones, pero la ilustración siempre está ahí, como un hilo conductor.

¿Es fácil? No. no todo es rentable desde el minuto uno..
Pero si te apasiona dibujar, contar historias con tus trazos y crear mundos desde cero, entonces sí: vale cada segundo, cada línea, cada clic, cada trasnoche.

Porque más que una carrera… la ilustración es una forma de ver la vida.
Y la mía no la entiendo sin ella.

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🌈 No todo está en el estilo (aunque importa mucho)

Cada ilustrador tiene una forma única de mostrar el mundo. Algunos son más narrativos, otros más simbólicos, y algunos fusionan ambos enfoques. Lo importante es entender que detrás de cada trazo hay decisiones: ¿por qué usar ese color? ¿por qué poner ese objeto ahí? ¿por qué esa expresión?

Algunos ilustradores, como Mark Ryden, convierten sus obras en verdaderos acertijos visuales. Sus escenas pueden parecer dulces o inocentes al principio, pero si te detienes, ves que están llenas de mensajes ocultos, símbolos religiosos, referencias al consumismo o a la cultura pop. Cada elemento tiene un “por qué”.

🧩 La simbología como lenguaje

Como en el arte clásico, muchos ilustradores modernos usan símbolos para decir lo que no se dice directamente. Un animal, un objeto cotidiano, incluso una sombra, pueden ser metáforas visuales. Esto no es nuevo: basta mirar las pinturas de El Bosco, ese genio del Renacimiento que llenó sus obras de personajes extraños y escenarios imposibles, todos cargados de mensajes morales, políticos o espirituales.

¿Te has fijado alguna vez en cómo un simple detalle puede cambiar el significado completo de una ilustración?

🎭 Las emociones escondidas

A veces, una escena no necesita palabras para contar una historia. El lenguaje corporal de los personajes, la dirección de la mirada, la atmósfera, la luz… todo eso también es narrativo. Una ilustración puede parecer estática, pero está llena de emociones contenidas. Solo hay que saber mirar con atención.

Leer una ilustración es también un acto emocional. A cada persona le resuena diferente, porque interpretamos desde nuestra experiencia. Lo que tú ves no es lo mismo que ve otra persona. Y eso es lo mágico.

🔍 Consejos para «leer» una ilustración

1. Mira los detalles: nada está puesto por casualidad.
2. Observa el lenguaje corporal: ¿qué dicen los personajes sin hablar?
3. Presta atención al color: los tonos cálidos o fríos influyen en la emoción.
4. Busca símbolos: ¿hay objetos recurrentes? ¿animales, flores, gestos?
5. Haz preguntas: ¿qué está pasando? ¿por qué así? ¿cómo te hace sentir?

✍️ La intención del ilustrador

Como ilustradora, puedo decirte que muchas veces dejamos “miguitas de pan” visuales en nuestras obras. No todo se explica, pero sí se sugiere. Queremos que quien vea nuestra ilustración la disfrute a primera vista, ¡claro! Pero también que se quede pensando un ratito más… que quiera volver a verla.

💬 Cuéntame…

¿Hay alguna ilustración que te haya hecho pensar más allá de lo visual? ¿Eres de los que buscan simbolismos o disfrutas de lo inmediato? Me encantará leerte en los comentarios ✨

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